Opernberichte der Saison 2023/24

Zitat von Sadko

Darüber würde ich mich freuen! Für heute wünsche ich eine gute Vorstellung! Ich selbst sitze momentan im Zug nach Brünn (der Zug steht zwar schon minutenlang irgendwo, aber ich habe 45 Minuten Zeitpolster, um die Aufführung bequem zu erreichen).

Na dann wünsche ich flottes Vorwärtskommen.Viel Vergnügen.Was wird gespielt?

Zitat von Sadko

Danke! Nach einem etwa 20minütigen Halt in Wien Süßenbrunn geht es seit zehn Minuten wieder weiter, es wird sich aller Voraussicht nach ausgehen!

Das "Schlaue Füchslein" (meine Lieblingsoper), ich freue mich schon sehr. Einen Bericht stelle ich dann am frühen Abend ins Forum.

Na Gott sei Dank. Ich liebe Janacek auch sehr. War noch nie in Brünn in der Oper. Sollte ich mal demnächst ausprobieren. Ist ja von St.Pölten nur ein "Katzensprung".

Alles Liebe, freue mich auf Ihren Bericht!

Also da ich fast CO2 neutral Auto fahre (ich verwende jetzt schon efuels) kann ich guten Gewissens auch mit dem Auto nach Brno fahren. Daher ist 19:00 Uhr nicht schlimm. Außerdem gibt es sehr schöne günstige Hotels in Brno.

Und jetzt ein schönes Fücjslein

Aufführungsbericht

„Tristan und Isolde“ im Opernhaus Wuppertal

Am Sonntag, d.12.11.2023

Wie selten ist es heute, dass dieses „opus metaphysicum“, wie F. Nietzsche den „Tristan“ nannte, so aufgeführt wird, dass es guten Grundes als werktreu bezeichnet werden darf! Auch nicht häufig kommt es vor, dass dieses Werk so klingt, als sei es frisch und neu, nicht perfekt, aber völlig überzeugend. Wie selten vor allem kommt beides zusammen: eine musikalische Meisterleistung verbunden mit einer Regie, die als nachschaffende Leistung das Werk des Meisters erkennen lässt und auch gar nicht daran arbeitet, es zu erweitern, zu verkürzen, zu verschlimmbessern oder zu verunstalten; und das alles, ohne dass die Inszenierung abgestanden oder altbacken gewirkt hätte.

Fangen wir mit der Regie an: zu Anfang gibt es eine Video – Projektion. Und das soll „werktreu“ oder „werkgerecht sein“? Ja, weil Meer zu sehen ist, rauschendes Meer, stimmungsvoll, zum Teil technisch verlangsamt. Und welches Element aus der Realität spiegelt Wesentliches dieses Stückes eher wider als das Meer? Man kann es betrachten als wesentlichen realen Ort des Geschehens. Man denkt dann an die Schiffe auf dem Meer, die, mit denen Tristan zu Isolde fuhr, das, mit dem Morold nach Cornwall kam, das, mit dem Tristan mit Isolde Irland verließ. Das Meer und die Meeresküste spielen also als Spielorte eine große Rolle. Zurecht steht es im Zentrum der Bühne. Man kann das Meer aber auch bildlich fassen, als Ort des „Versinkens“ und „Ertrinkens“, in das Tristan und Isolde so vielfältig eintauchen. Angesichts des Textes des Liebestodes baut dann dieses immer wieder auftauchende reale Meer auch eine natürliche Brücke zum Schluss des Werkes. Isolde stirbt dann nämlich nicht. Nachdem sie, zum Teil liegend, neben Tristan ihren Liebestod gesungen hat, geht sie auf das Meer hinaus, wohl in der Absicht, dort real zu versinken und zu ertrinken. Das Ganze hat dabei keine Gewalt, sondern erscheint konsequent, so konsequent, ja zwingend, dass König Marke Isolde ziehen lässt und ihr so ermöglicht, das zu tun, wovon Tristan schon im Ersten Akt gesprochen hat: „Wohin nun Tristan scheidet, willst du, Isold', ihm folgen?“ Sie folgt, wenn auch zwei Akte später. Zwischen dem „Meeresvorspiel“ und dem „Meerestod“ entspinnt sich deutlich sichtbar und nachvollziehbar das, was Wagner in seinem Werk vorgesehen hat. Zur Meeres – Projektion kommt die des Wetters und des Lichtes in unterschiedlichen Erscheinungsformen der Sonne, was auch von hoher Symbolkraft ist, denn Licht und Dunkelheit, Tag und Nacht bestimmen die Gedankenwelt und den Lebensdeutungsraum von Tristan und Isolde. Allerdings gibt es dazu ein weniger poetisches als recht prosaisches Bühnenbild, das sehr sparsam ist und ein wenig an Neu – Bayreuth erinnert. Das Schiff und die Segel sind deutlich erkennbar, Spielflächen werden durch verschiedene Konstellationen eines Podestes, das dreieckig ist und damit an die Segel erinnert, so erstellt, dass sie den jeweiligen Szenen dienlich sind. Alles spielt dabei im Vordergrund, nichts bleibt im Düstern oder nur ahnbar, auch für die Zuschauer, die oben im 1. Rang sitzen. Abstraktion des kulturellen Raumes (Schiff) und die Konkretion des natürlichen Raumes (Meer) bilden hier wie selbstverständlich eine spannungsreiche wie organische Verbindung.

Das Spiel der Protagonisten ist klar. So hat Isolde den Todestrank um ihren Hals an einer Kette hängen, und man sieht später deutlich, wie Brangäne ihn vertauscht. Es gibt nicht sehr viel Personenregie, das sei eingestanden. Es gibt sogar manche Stellen, an denen ins Publikum gesungen wird, fast im Sinne des alten Rampentheaters. Dadurch erhält die konkrete Szenerie aber Ruhe und eine abstrakte Wahrheit, die eben nicht aufgeht in eine einzige konkrete Geschichte. Der metaphysische und reflektierende Gehalt des Werkes wird dadurch deutlicher, als wenn alles zu sehr realistisch gespielt würde. Dabei gibt es jedoch auch viele wirklich realistische Szenen, nämlich immer da, wo auch etwas Wesentliches passiert, wo agiert wird, so etwa, wenn Tristan und Isolde nacheinander den Trank nehmen, oder wenn Brangäne Isolde auf die Begegnung mit Marke vorbereitet und ankleidet und so fort. Die Mischung aus Spiel und Abstraktion durch fast konzertanten Gesang ist wahrscheinlich nicht intendiert, wirkt aber überzeugend in dem Kontrast beider Spielweisen.

Da wir bei Marke angelangt sind: es ist ein junger, starker, aber warmherzig wirkender Marke mit heller Stimme, der Isolde zur Frau nimmt, kein weiser älterer Greis, wie man das oft zu sehen und hören bekommt. Marke (Erik Rousi) war denn auch die überzeugendste Figure, stimmlich wie spielerisch. Sein Kostüm, das ritterlich daherkommt, passt gut zu dem seltsamen Trägerkleid von Brangäne (das man auf einem mittelalterlichen Markt verorten könnte), auch zu dem leider viel zu engem Kleid der Prinzessin Isolde und den anderen Kostümen. Nur das Kostüm Tristans passt dazu nicht. Denn er hat eine Hose an, über der er ein weißes Hemd trägt. Das Kostüm scheint als einziges aus unserer Zeit zu sein. Nötig ist das nicht, es bringt einem den Tristan nicht näher. Aufgrund der farblichen Unauffälligkeit und Nüchternheit stört es aber auch nicht. Vielmehr wirkt sein zeitloses bis gegenwärtiges Kostüm eher wie eine Brücke in unsere Zeit. Soll damit ausgedrückt sein, dass die Thematik wie die der Wagnerschen Werke überhaupt „zeitlos gültig, weil ewig menschlich“ sind, wie Wieland Wagner es sah, oder liegt das etwas unbeholfene unbedarfte Spiel Tristans daran, dass er nach einer Erkältungserkrankung noch nicht ganz gesund war, was vor der Aufführung angekündigt wurde? Wie auch immer, es fügt sich sehr gut in das Gesamte, in das kammerspielartige Musikdrama. Brangäne spielt überzeugend die Vertraute, mehr schon Freundin Isoldes. Diese zeigt ihre Würde immer dann, wenn sie sich beherrschen muss, wenn es gilt, sich keine Blöße zu geben. Während Tristan sich gleich vor Marke hinkniet und den Blick niederschlägt, erwartet Isolde ihn am Ende stolz, aber korrekt, nicht ausweichend und nicht verächtlich.

Im Zweiten Akt befindet sich Isolde in einem stilisierten Garten, nur ein mit aufgravierten mittelalterlichen Figuren versehenes Tor markiert den Übergang vom Palast zum Garten. Isoldes Leuchte ist eine Feuerschale rechts auf der Bühne. Als Tristan zugegen ist, berührten sich die beiden Liebenden zunächst nicht, aber dies nicht etwa, weil sie sich entfremdet wären, sondern weil ihr Freudentaumel den anderen noch nicht im Blick hat. Aber später werden sie ihrer Zweisamkeit wieder erinnerlich, und es zeigten sich Bilder zärtlich Berührender, ohne jede Orgiastik zwar, aber von inniger Liebe. Spiegel des Innenlebens wird dann im Hintergrund ein Zaubergarten von riesigen langsam wachsenden Pflanzen, wie sie in einem üppigen Tropenwald zu sehen sind und so auch Klingsors Zaubergarten hätten darstellen können (was an die vorletzte „Parsifal“ – Inszenierung in Bayreuth erinnert). Das Tor neigt sich dann auch zu Boden und wird zur Brücke über einen See in den Zaubergarten hinein. Hier ist das Wasser also nicht mehr das Bedrohliche, die Urtiefe, sondern das eingehegt Lebendige, das Leben schafft und Erfüllung bringt. Als die beiden entdeckt werden, wiederholt sich die devote Geste Tristans gegenüber Marke, während Isolde ihm stolz, aber nicht provokant in die Augen schaut. Marke ist es dann, der den Blick Isoldens nicht aushält, nicht umgekehrt. Das ist eine der stärksten Szenen. Der Kampf zwischen Melot und Tristan wird dann einmal deutlich sichtbar vollzogen. Tristan hebt am Ende sein Schwert, und lässt Melot zustechen. So endet der Zweite Akt.

Der Dritte Akt lässt im Hintergrund wieder das - dieses Mal stille - Meer erkennen. Man gewahrt eine Küste, und Tristans Krankenlager scheint am Strand einer Lagune zu liegen. Die Warte, ein (etwas zu) einfacher großer Stein, befindet sich ebenfalls vorne auf der Bühne, links von Tristan. Tristan durchlebt seine Wahnträume, die dem Zuschauer zum Teil auch durch Projektionen augenscheinlich werden. Man schaut somit, was Tristan innerlich schaut. Und was man zu schauen bekommt, ist plausibel. Es sind die Begegnungen mit Isolde, ihr Gesicht, ihr Geführtwerden an der Hand von Marke. Dann verläuft alles traditionell. Das Ende, wovon schon die Rede war, ist der Gang Isoldens zum Wasser, noch eher wohl ins Wasser, sehr dezent und völlig mit der musikalischen Atmosphäre in Übereinstimmung. So endet eine unspektakuläre, nicht überwältigende, aber überzeugende Inszenierung des Teams von E. Vigil und L. Noll.

Kommen wir zu der musikalischen Darstellung, so werden hier keine Bestleistungen gebracht. Samuel Sakker als Tristan hat am Anfang schon einen unsauberen Stimmsitz, ein wenig klang- und obertonarm, aber dabei nicht flach ließ, er seine Stimme vernehmen, aber er ist auch erkältet und hält die mörderische Partie dafür sehr gut durch. Vor allem im Zweiten Akt gelingt ihm mit Isolde zusammen ein lyrischer, sehr transparent geführter, fast philosophischer Dialog über Tag und Nacht, Licht und Dunkelheit. Der Zweite Akt wurde wie der erste als so konzentriert wie kurzweilig wahrgenommen. Am Ende ist Tristan von Müdigkeit in der Stimme weniger anzumerken als am Anfang. Wie alle, außer Marke, ist er nicht von Beginn an in Ausübung seiner besten Möglichkeiten. Er steigert sich zwar mehr und mehr, zum Teil ist er aber sehr leise, die großen Ausbrüche meistert er aber nicht nur mit viel Kraft, sondern auch mit einer klugen Technik und Einteilung der Kräfte. Auffällig ist: er nimmt einen nicht sehr für sich ein, weder als Sänger noch als Person Tristan. Er singt die Partie, hat seine Stärken auch in lyrischen Passagen, aber er erstaunt nicht, er begeistert nicht. Er lässt einen nicht unbewegt, aber er kann die Distanz zum Publikum nicht ganz überbrücken.

Auch Isolde, Kirstin Sharpin, braucht eine Zeit um sich einzusingen. In der Höhe ist sie manchmal schrill, kann aber auch ein großes Volumen entfalten, überzeugt vor allem in der Mittellage, wobei sie härter, nordischer klingt als etwa die Isolde von W. Meier. Sie gibt der Partie ein wenig Schärfe, die aber auch von ihrer Rollendarstellung als stolze Prinzessin gedeckt ist. Ihr Liebestod ist dann schön und leicht, klingt wie eine Stimme aus dem Orchester, von dem sie umfangen ist. Zuvor schaut sie ihren Tristan so innig an, dass sie vergisst, ihn mit „Tristan“ anzusingen.

Brangäne (J. Feinstein) hat eine intensive Bühnenpräsenz, singt sicher und deutlich, man wünschte sich aber größere Resonanzräume bei ihr geöffnet. Vor allem jedoch tremoliert sie sehr, was gewöhnungsbedürftig ist, dabei bleibt sie aber immer noch gerade im Rahmen des Akzeptablen, während die Stimme des Kurwenal, M. Sanders, irgendwie sehr stark gefährdet wirkt. Der durchdringenden, sonoren, aber leichten wie klaren Stimme ist ein schnelles, nervöses, unkontrolliertes Tremolo von Beginn an beigegeben, was stört und irritiert. Nur ein paar große Linien vermögen dieses ein wenig einzudämmen. Hier ist Hilfe vonnöten, wenn noch möglich.

Derjenige, der den Abend vor allem prägt, ist der junge Patrick Hahn. Der erst 28 Jahre alte Österreicher ist seit zwei Jahren GMD in Wuppertal (wohl der jüngste in Deutschland), einer Stadt mit großer musikalischer Tradition und einem A - Orchester, dem Herkunftsort von H. Knappertsbusch, G. Wand, H. Stein und M. Janowski, dem Geburtsort von Mathilde und Otto Wesendonck (im damaligen Elberfeld) und dem Wirkungsort von Hanns Martin Schneidt und Peter Gülke, um nur ein paar prägnante Personen zu nennen. Hier also entfaltet Patrick Hahn einen unglaublich dynamischen und wohlproportionierten „Tristan“. Er weiß, wo er das Tempo anziehen muss, wo er die Zügel lösen kann, er lässt Emotionen sich aufbauen und wieder auflösen, und das (fast) alles ganz organisch. Künstlich, gekünstelt, gewollt ist hier nichts. Alles ist hochmusikalisch und stellenweise musikantisch gedacht. Die Tempi stimmen alle, Übergänge, Entwicklungen sind bewusst gestaltet und geschehen aus dem musikalischen Duktus, nicht aus dem Eigenwillen des Dirigenten heraus. Das Vorspiel besitzt eine zwingende Kraft wie der ganze erste Aufzug. Auch beim zweiten Aufzug wogt das Orchester in großer Sicherheit und mit natürlichen und wohl dosierten Akzenten. Die Musik fließt, nichts wird überdehnt, nichts überspannt, aber nichts zerfließt auch dem Kapellmeister aus den Händen, denn bei aller Organik und Bewegung hat er ein sehr artikuliertes und direktes Dirigat und gibt fast jeden Einsatz den Solisten, die von ihm sicher geführt werden, und viele Einsätze dem Orchester. Dieses (mit dem „Tristan“ vertraut [einige Orchestermusiker haben noch erlebt, wie die damals große Gudrun Volkert, auch eine Österreicherin, die Isolde unter Peter Gülke sang - vor 34 Jahren!]) folgt ihm sicher. Eine Ausnahme bilden da allerdings manche Passagen vor allem im Dritten Akt, in denen es wohl ein paar kleinere Abstimmungsschwierigkeiten gibt, das Orchester auch an manchen Stellen zu laut ist (hier müsste P. Hahn dagegenhalten). Hier geht auch in den flächigeren Passagen im Gegensatz zum wunderbar gestalteten Zweiten Akt, manchmal die Spannung ein wenig verloren. Vielleicht gab es zu wenig Proben. Aber auch wenn - nach meinem Empfinden - der Dritte Akt orchestral etwas abfällt, gibt es keinen Schmiss, keine Peinlichkeiten, keine auffälligen Patzer. Die Solostellen sind vorzüglich gestaltet. Die Violinen klingen allerdings manchmal in der Höhe ein wenig unsauber. Dabei soll einmal darauf hingewiesen werden, dass Wagner den „Tristan“ nicht für den geschlossenen Bayreuther Graben geschrieben hat. Und so gereicht der große und breite Wuppertaler Orchestergraben der Durchhörbarkeit der Partitur in der Instrumentierung und im Rhythmus sehr zum Vorteil. Der Mischklang wird hier geschärft und korrigiert zum differenzierten Hören. Gefahr ist dabei natürlich Sänger zuzudecken, die nicht zu den Stimmstärksten gehören. Dieser Gefahr wird in dieser Aufführung nicht immer erfolgreich entgegengewirkt. Von Patrick Hahn werden wir noch zu hören bekommen.

Als der Vorhang fällt, geht nach einer auffällig langen stillen Pause (die Bergischen Menschen sind noch relativ diszipliniert und nicht so impulsiv wie die nahebei lebenden Rheinländer) dann (doch) ein lautes Bravo – Konzert auf alle Mitwirkenden herab. Alle Einzelnen werden sodann (aus meiner Sicht etwas zu undifferenziert) fast gleichermaßen gefeiert, vor allem und am stärksten der Publikumsliebling, Wuppertals junger GMD, der an H.M. Schneidt erinnert, der einstmals auch als sehr junger Mann (mit 32 Jahren) an die Wupper kam und dort Großes in Oper, Konzert und als Cembalist leistete, bevor er dann den Münchner Bach – Chor übernahm und später noch eine Karriere in Japan machte als Dirigent und Chorleiter.

So schließt ein erfreulicher, bemerkenswerter und sehr befriedigender Wagner – Abend, aus dem die Lehre zu ziehen ist, dass nicht alles phantastisch sein muss, oder gar perfekt, um begeistern zu können. Mit einer stimmigen Konzeption auf der Bühne und im Orchester lassen sich im Einzelnen manche Mängel oder Unfertigkeiten nicht nur kompensieren, sondern fast schon ungeschehen wirken lassen. So wird manches von dem, was uns sonst „groß und nichtig erscheint, plötzlich nichtig und klein“, weil man Ohr und Auge für das Wesentliche hat und von diesem gänzlich positiv eingenommen wird.

Ganz am Ende steht eine positive Überraschung: Die neue Intendantin der Stadt an der Wupper steht im Foyer und bedankt sich bei den vorbeigehenden Zuschauern, dass sie gekommen waren. Wo hat man so etwas schon mal erlebt?

Gratulation, Wuppertal im Bergischen Lande! Du bist mitnichten die kleinste unter den Kulturstädten Deutschlands!

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Lieber Sadko, wie schaffst Du das nur, so oft in die Oper zu gehen? Das ist offensichtlich wahre Leidenschaft ! Laurent Pelly ist in Frankreich sehr bekannt und ich habe schon etliche Inszenierungen von ihm gesehen. Meistens amusant und nett anzusehen. Seine Liebe zu Offenbach teile ich nicht. Die meisten Offenbach Operetten sind für mich eine Art Kabarett Show seiner Zeit und waren damals auch politisch oft provokant und subversiv . Aber ich kann heute wenig damit anfangen und finde die Musik ebenfalls oberflächlich. Wenn auch sehr gut gemacht Ich kenne einige Partituren ziemlich gut und hab selbst schon bei Offenbachiaden mitgemacht. Als Teilnehmer machte es mir deutlich mehr Spaß als als Zuhörerin.

Zitat von Sadko

Dass der Tristan-Sänger am Ende weniger erschöpft klang als zu Beginn, verstehe ich nicht ganz, aber vielleicht musste er sich anfangs erst einsingen oder hatte mit Nervosität zu kämpfen, oder etwas anderes ist die Ursache.

Ich nehme an, dass hat mit der auf vor der Aufführung angekündigten Erkältung zu tun. Möglicherweise hat sich nach und nach auch Schleim gelöst, wie das oft der Fall sein kann während des Singens. So wäre erklärlich, dass seine Stimme am Ende freier und sitzgenauer erklingen konnte als am Anfang. Aber das ist natürlich nur eine Vermutung. Und natürlich erhebe ich - wie kann es auch anders sein - keinen Anspruch darauf, alles "objektiv" gehört und im Nachhinein festgehalten zu haben. Interessant wäre es ja immer, wenn zwei Leute dieselbe Aufführung rezensieren. Aber damit haben Sie, lieber Sadko, auch schon Ihre Erfahrungen gemacht.

Zitat von Sadko

aber oftmals lohnen sich dennoch Besuche an kleinen Häusern.

Das ist wohl war! Ich habe z.B. 2011 einen hervorragenden "Tristan" in Augsburg gesehen, der mir deutlich besser gefallen hat als unserer in München.

Lieber Sadko,

ich war gestern auch in der Bohème und kann mich nur vollinhaltlich Ihrem Bericht anschließen.

You war aus meiner Sicht wirklich sehr gut. Ich saß Parterreloge 1 und fand überhaupt nicht, dass er zu laut sang.

Schmutzhard war ein sehr guter Marcello. Fritze und Komasa haben mich allerdings nicht überzeugt.

Goloneva war genau wie Sie beschrieben. In den ersten beiden Akten zu "blechig" was sich aber im Verlauf des Abends gab.

Im 4. Akt gefiel sie mir gut.

Ritter war furchtbar. Eine derartig schrille (sowohl stimmlich als auch schauspielerisch) Musetta habe ich noch nie erlebt.

Da lobe ich mir in der Staatsoper die Nazarova.

Ganz vorne in der 1. Loge übertönte sie sogar das Blech...und in diesem Falle, ist das kein Kompliment.

Glassberg und das Orchester fand ich ziemlich gut. Manchmal zu analytisch, im 2 Akt phasenweise zu schnell, der Chor und das Orchester waren sich auch teilweise nicht ganz einig (Parpignolszenen), aber verglichen mit dem Staatsopernorchester eine tadellose Leistung.

In 2 Wochen sehe ich die Bohème in der Staatsoper (bereits glaube ich zum geschätzten 30. Mal), und bin auf den direkten Vergleich schon gespannt.

(Spannend ist, dass ich in in der Staatsoper in den 70ern mit den Sängerknaben oft in der Bohème gesungen habe, und wir 2023 nach wie vor die gleiche Inszenierung haben. Genau wie bei Tosca).

Lieber Sadko,

bin nächste Woche in "Le grand Macabre" und bin nach Ihrer Kritik schon sehr gespannt.